Ian Anderson explica cómo compuso Curious Ruminant

Ian Anderson ha comentado ya cómo ha compuesto Curious Ruminant, el disco de Jethro Tull que edita el 14 de marzo.

El músico comenta que «parte del material viene de maquetas del 2007. La canción larga «Drink from the Same Well» nació en 2007 como una demo que hice para una presentación en vivo con Hariprasad Chaurasia, el flautista clásico indio. Esa demo se remonta a esa época. Nunca fue grabada, lanzada ni tocada durante la gira que hicimos con Hariprasad en India y Dubái».

«La dejé de lado y la olvidé hasta que mi hijo la descubrió en un ordenador en desuso. Estaba a punto de borrar algunos archivos viejos y preguntó: «¿Qué es esto?». Le dije: «Ah, eso me suena familiar», porque tenía un título provisional. Mantuve los teclados de esa demo y grabé nuevas flautas, bajo, batería, cajón, guitarras eléctricas y guitarras acústicas, convirtiéndola en una gran canción épica de Jethro Tull. Creo que es la tercera canción más larga que he hecho».

«Considero que «Thick as a Brick» es supuestamente una pista larga, y también hay una pista larga llamada «Baker Street Muse», que es más larga que esta versión ligeramente editada de «Drink from the Same Well». Sin embargo, «Drink from the Same Well» podría haber sido la segunda pista más larga si no la hubiera editado y eliminado algunas de las secciones repetidas. Así que sí, data de 2007, pero la mayor parte del trabajo (todas las letras y la mayor parte de la música) se grabó entre mayo y julio. Lo terminé a fines de julio y pasé el mes siguiente trabajando en el arte gráfico, los libretos, las fotografías y todo lo demás, una vez que la grabación y la mezcla maestra estuvieron terminadas».

El título del disco

Respecto al título del disco reconoce que «uno de mis amigos eclesiásticos, ahora jubilado, canónigo de la catedral de Wakefield, me envió un correo electrónico cuando se lanzó el tema principal como video. El día que salió, lo escuchó de inmediato y me envió un correo electrónico preguntándome: “qué significa el título. ¿Va de una vaca curiosa?”. Le respondí: «No exactamente». Es curious en el sentido de tener curiosidad, no en el sentido de ser raro o extraño, sino de querer aprender algo. Una vez que lo has aprendido y registrado, entra en juego la parte rumiante. Como sustantivo, rumiante a menudo se refiere a un mamífero de tres dedos que mastica el bolo alimenticio, lo regurgita y disfruta de una segunda ración. Pero también se refiere a una persona contemplativa. Eso es lo que trato de hacer todos los días: aprender algo nuevo. Me gusta irme a la cama por la noche pensando: “Tengo un poco más de conocimiento que ayer. Aprendí algo hoy”. Luego, lo repito mentalmente y pienso en ello. Ahí es cuando empiezas a poner las cosas en contexto con quién eres y con tu vida. Así que creo que estos dos procesos (tener curiosidad y luego reflexionar sobre ello) son independientes pero complementarios. Juntos, suman a lo que parece un disco duro casi lleno».

El resto de maquetas rescatadas del baúl de los recuerdos fueron completadas durante el proceso de grabación. «Así es, con la música adicional que se agregó, todo se desarrolló durante el proceso de grabación. Como inicialmente no había letras, se escribieron todas bastante rápido hacia fines de mayo o principios de junio. Fue un proceso rápido para poner todo en forma. Para mí, como compositor, lo más importante es el impulso y el impulso que generas desde que escribes algo hasta que completas una grabación maestra. A veces, he hecho demos muy simples para que la banda las aprenda antes de ensayar y grabar. Pero a menudo, cuando abro la boca para cantar, mi objetivo es tener una voz maestra lista en una hora o una hora y media. Realmente no me gusta demorarme, se trata de capturar el momento».

Letras más personales

Sí aclara que las letras son más personales que nunca. «Desde el comienzo de trabajar en las letras, deliberadamente apunté a algo más personal. Notarán que en las letras hay muchos más casos de pronombres «yo» y «mí». Normalmente, soy un escritor más objetivo, algo entre paisaje y retrato en términos de perspectiva, escribiendo sobre cosas que a veces son reales, a veces imaginarias. Pueden ser estereotipos inspirados en conocidos de la vida real o incluso personas que he visto en CNN o BBC News, aunque no necesariamente alguien que conozca personalmente».

«Este álbum, sin embargo, es diferente. Realmente se trata de mí, no de una manera despotricante, al estilo de Alanis Morissette, con el corazón en la mano, de «pobre de mí», ni en la tradición del blues de «me desperté esta mañana». Sigue siendo objetivo hasta cierto punto, pero contado desde un punto de vista mucho más personal. Tenía esa intención, hacer que fuera más íntimo en cuanto a las letras. Al mismo tiempo, musicalmente, sigue siendo en gran medida un álbum de grupo».

La duración y el proceso de grabación de las canciones

«No se trata de quedarse sin fuerzas, sino de crear algo que parezca más evolutivo. No se trata de complicarse por el mero hecho de hacerlo. A veces, musicalmente, quieres ampliar una idea, aunque las letras en sí no necesariamente crezcan para alcanzar ese alcance. Cuando pones las letras en papel, incluso con todas las repeticiones del estribillo y otras secciones, suelen ocupar más o menos la misma cantidad de espacio en el libreto del álbum. Sin embargo, el material musical que hay detrás de ellas puede variar mucho en complejidad».

«Tomemos como ejemplo «Interim Sleep». Originalmente se escribió como algo entre prosa y poesía, que servía como un consuelo imaginario para los que habían perdido a un ser querido. Está escrito como si estuviera aconsejando a alguien que no se lamente demasiado, expresando la idea de que «simplemente estoy en algún lugar de la habitación de al lado» o «fuera de la ventana, entre las estrellas». Su objetivo es ofrecer consuelo, no de una manera morbosa, sino como algo alentador y espiritualmente reconfortante».

«Nunca se pensó que fuera una pieza larga. Probé una versión melódica cantada, pero comparada con la versión hablada, no funcionó. Nunca tengo miedo de pulsar el botón de borrar, y una vez que desaparece, desaparece para siempre. Utilizo lo que se llama “grabación destructiva” en el ámbito digital, lo que significa que cuando vuelvo a grabar algo en una pista, la versión anterior se borra por completo. No hay vuelta atrás, no se pueden guardar varias tomas para revisarlas más tarde».

«Realmente no me gusta el enfoque moderno de guardar todas las tomas y luego volver a juntarlas. Algunos de los miembros de la banda (o para ser honesto, todos ellos) prefieren ese método. Dicen: “¿Podemos quedarnos con esa y hacer otra?” Pero para mí, si quieres hacer otra, significa que la primera no es lo suficientemente buena. ¿Por qué conservarla? A ellos les gusta recopilar fragmentos de varias tomas, pero encuentro ese proceso dolorosamente aburrido».

«En mi caso, si algo no está bien (ya sea el ritmo, la afinación, la dicción o un problema técnico), prefiero rehacerlo hasta que esté correcto. No quiero saturar el disco duro (ni mi cerebro) con material que no es necesario. Así es como siempre he trabajado, desde los tiempos analógicos de la grabación. En la cinta, una vez que grababas sobre una pista, la toma anterior desaparecía para siempre. Llevo trabajando de esta manera 56 años y no me arrepiento de nada de lo que he borrado, principalmente porque de todos modos no puedo recordar qué era».

La importancia de los sonidos folk en el disco

«Fue algo bastante intencional. Saqué una mandolina, le puse cuerdas nuevas e incluso compré una pequeña guitarra tenor, una guitarra de cuatro cuerdas afinada como una mandolina. Mantuve esos instrumentos cerca y se convirtieron en el punto de partida para escribir tres o cuatro canciones. Fue una elección deliberada abordar esas canciones desde una dirección diferente».

«Aunque algunas de las pistas terminaron con arreglos de banda completa, con batería, bajo y guitarras eléctricas, todas comenzaron con una pista maestra de mandolina y voces. Ese marco inicial fue la parte en la que me concentré, al igual que algunas de las canciones del álbum Aqualung en 1971, que grabé en el estudio cuando los otros chicos estaban en un descanso para tomar té o no tenían previsto venir ese día».

«No me gustaría hacer un álbum completo de esa manera, pero es bueno abordar algunas canciones con una grabación maestra clara y definitiva. A partir de ahí, otros músicos pueden aportar ideas de mi parte, por ejemplo, aconsejando qué tipo de sonido usar en ciertas secciones o cuándo contenerse y entrar más tarde».

Los planes para la gira

«Lamentablemente, los días en que se hacía una gira tocando un álbum completo en el escenario han quedado en el pasado. Incluso en 1969, después de nuestro segundo álbum, ya nos enfrentábamos al desafío de elegir qué dejar fuera porque había más material del que podíamos incluir en un concierto en vivo. Con los años, ese desafío solo ha crecido. Ahora, es imposible representar la gama completa de estilos y eras musicales en las que hemos trabajado, por lo que tenemos que seleccionar ejemplos que den una idea general».

«En la actualidad, ya sea que el público esté formado por fans de toda la vida, nuevos conversos o incluso los nietos de los fans originales, la mayoría de la gente quiere esa visión más amplia del repertorio. No buscan que la mitad del concierto sea una interpretación completa de un nuevo álbum. Yo lo hice una vez, en 2012, pero no creo que sea lo que la gente espera ahora. Algunos pueden disfrutarlo, pero tenemos que asumir que la mayoría prefiere escuchar una mezcla: algunas selecciones de un nuevo álbum sin sobrecargar el repertorio.

«Para este año, hemos planeado tocar dos canciones del nuevo álbum, a partir de abril, con la posibilidad de agregar una tercera dependiendo de cómo sea recibido. También queremos incluir canciones de los dos últimos álbumes (2022 y 2023), junto con todo el material anterior que se remonta a 1968. Se trata de crear una imagen más amplia y satisfactoria para el público, y también para mí».

«Por ejemplo, hemos incluido un par de canciones del primer álbum que no se han tocado en años. Es interesante volver a escucharlas. A veces me descubro pensando en ellas a altas horas de la noche, escuchándolas en mi cabeza. Incluso después de todo este tiempo, tienen una especie de calidad pegadiza y espero volver a interpretarlas, al menos por un tiempo. Por supuesto, después de meses de tocar las mismas canciones, la emoción se enfría, pero siempre hay algunas que se sienten atemporales».

«Algunas canciones, como «Aqualung», «Locomotive Breath» y «Bouree», son hitos. Se han mantenido en el repertorio, no por obligación, sino porque estoy realmente orgulloso de ellas. A lo largo de los años, las hemos interpretado con diferentes arreglos, a veces ciñéndonos mucho a las originales, otras veces reimaginándolas por completo. Estas canciones tienen un lugar especial para mí y siguen siendo elementos básicos del espectáculo en vivo».

«Más allá de ellas, hay un grupo rotativo de temas que aparecen en el repertorio cada pocos años, junto con otros que pueden aparecer una vez cada cinco o diez años. De vez en cuando, incluso desenterramos canciones que rara vez, o nunca, se han tocado en vivo. El año pasado, interpretamos un par de temas que nunca se habían tocado en vivo o que solo se habían tocado brevemente cuando se grabaron por primera vez. Eso siempre es un desafío interesante, no porque sean imposibles de tocar, sino porque son difíciles y desconocidas».

«Con un catálogo tan amplio, es difícil tomar decisiones. Tampoco es posible aceptar las solicitudes del público. Los conciertos modernos dependen de contenido de video sincronizado, señales de iluminación y tecnología que une todo, por lo que los cambios de último momento alteran todo el sistema. Incluso si la banda puede tocar una canción, no es práctico para el equipo y el equipo de producción».

Le agradezco al gran Juan Marcos Velardo, del blog Aqualung-My God, el enlace que publicase en su perfil de Facebook y que he utilizado como base para la traducción que acabas de leer.

Aunque anunciamos que la crítica del disco se publicaría hace unos días, Anderson pidió que esperásemos hasta el 15 de este mismo mes. Será entonces cuando te contemos todos los detalles del álbum. Te recordamos que Jethro Tull tocarán en Barcelona el 7 de mayo y el 12 de julio en Jerez.

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