Ian Anderson y Martin Barre dan su opinión sobre Aqualung

Ian Anderson y Martin Barre concedieron, por separado, una entrevista a Prog Magazine para comentar los detalles de Aqualung (1971). Rescatamos una entrevista publicada en tiempos de pandemia para conocer la opinión de ambos músicos sobre semejante obra maestra.

Comenzaba Anderson indicando que «estoy feliz de hablar de cualquier cosa. Por supuesto, me hacen las mismas preguntas una y otra vez. Pero no hay problema, porque siempre hay diferentes formas de responderlas. Además, es un cumplido que un disco grabado hace tanto tiempo siga fascinando a mucha gente. Y estoy agradecido por lo que Aqualung hizo por Jethro Tull».

El exguitarrista Martin Barre está igualmente entusiasmado. «¿Cómo puedo cansarme de hablar de este álbum? Tanto histórica como musicalmente, fue muy importante para la banda. Puedo escucharlo ahora de principio a fin, y no hay una sola canción débil. Admito que algunos de nuestros otros álbumes tienen pistas de relleno que no se sostienen bien. Pero Aqualung fluye de principio a fin».

Tanto Anderson como Barre tuvieron que lidiar con las consecuencias de la pandemia y sus devastadores efectos en el panorama musical. «Tengo que aceptar que hacer shows en vivo antes de 2022 no será posible», dice el primero con un suspiro. «Claro que no estoy solo frente a esta perspectiva, pero eso significa perder dos años de mi vida profesional y a mi edad puede que no me queden muchos. Este es el nuevo realismo que nosotros, como músicos, estamos aceptando».

«Tenía tantos planes para shows en vivo en 2020», agregaba Barre. «Para celebrar mis 50 años como músico profesional. Todo eso fue cancelado. Sin embargo, tengo que ser filosófico sobre la situación, y cuando finalmente pueda volver a la carretera, tengo la intención de tocar Aqualung en su totalidad».

El realismo es algo que impregna las letras de Aqualung y marcaron a Jethro Tull como diferentes a muchos de sus contemporáneos. Anderson eligió escribir sobre cosas que había observado, y lo hizo de tal manera que las canciones se convirtieron en mini documentales sociales por derecho propio.

«El mundo estaba lleno de estrellas del pop que llevaban el corazón en la manga. Cantantes que hablaban sobre el amor y solo hablaban de ‘yo, yo, yo’. Ahora, no voy a criticar lo que hicieron, porque era perfectamente válido. Pero quería usar lo que había visto y sabía, convirtiéndolo en historias e interpretando la vida de esta manera».

En algunos aspectos, el enfoque lírico de Anderson refleja lo que los célebres cineastas británicos Michael Powell y Emeric Pressburger estaban haciendo en la década de 1940 a través de clásicos como Black Narcissus, A Matter Of Life And Death y The Red Shoes, en el sentido de que reflejaban la realidad a través de un prisma que ofrecía ni héroes ni villanos. Anderson acepta esta conexión con una cómoda facilidad.

«Muchas de las letras que escribí para el álbum provienen de imágenes visuales. Por ejemplo, la persona que inspiró la canción principal era una verdadera persona sin hogar. Como fotógrafo, me encanta caminar haciendo fotografías de personas interesantes que veo o conozco. E incluso cuando no tengo fotos reales de ellos, puedo ver estas figuras en mi mente y eso se proyecta en la letra».

«Lo que estaba observando en las canciones para Aqualung no eran héroes ni villanos. No es blanco o negro. Esta no es la forma en que funciona la vida, donde divides a las personas en estas categorías. Entonces, desde ese punto de vista, sí, mi lirismo aquí tenía una relación con la forma en que operaban ciertos cineastas».

Para Barre, este es el álbum que mostró que Anderson había emergido como el líder de facto de Jethro Tull. «Ian había cambiado un poco en su forma de dirigir al grupo. Estaba tan concentrado e intenso en el lado de la composición de canciones, y se había convertido en una fuerza importante. Gracias a él, este disco fue mucho más planeado que los tres anteriores».

Anderson abordó algunos temas muy polémicos en este álbum, y ninguno más que la prostitución adolescente en «Cross-Eyed Mary». Sin embargo, aunque el tema de una colegiala reducida a tales circunstancias fácilmente podría haber sido una historia sórdida, de alguna manera Anderson le da una sensación de inocencia.

«El tema de la pedofilia es, por supuesto, muy controvertido, como debe ser. Pero recordé algo que me pasó cuando era niño. Había obreros cavando en el camino donde yo vivía, y uno de ellos me invitó a entrar en su choza para tomar una taza de té y una galleta. Sin embargo, mi madre me advirtió que no aceptara la invitación, pero nunca me explicó por qué no debería hacerlo. No estoy diciendo que este trabajador tuviera intenciones sexuales conmigo; podría haber sido literalmente tomar té y galletas. Pero mi madre tenía preocupaciones definidas que, a mi corta edad, no podía entender».

«Cuando yo era niño, podías tener una visión diferente de por qué los hombres adultos pueden pararse frente a las puertas de la escuela y mirar a los niños a través de las rejas sin ninguna connotación sexual».

«Podría haber sido aceptado como personas que contemplan su infancia perdida. Por supuesto, entonces, cuando escribí «Cross-Eyed Mary», no lo abordé desde el punto de vista de la horrible explotación de una colegiala, sino desde el ángulo de los hombres tristes y solitarios que conoció y a quienes les dio un poco de consuelo».

«En la actualidad no podría pensar en escribir letras con esta actitud. Simplemente no sería aceptable. Y con razón. Vivimos en un mundo donde el comportamiento pedófilo se considera repugnante. Pero si bien puedes derribar estatuas de aquellos que ahora se considera que representan la esclavitud, por ejemplo, Edward Colston en Bristol, y tratar de retocarlos de la historia, no puedo reescribir la letra de «Cross-Eyed Mary». No es que quisiera hacer esto. Siento que la gente tiene que entender la historia que estaba contando y apreciar que de ninguna manera estaba tolerando la pedofilia».

Barre defiende firmemente el enfoque lírico de Anderson en «Cross-Eyed Mary». «Ninguno de nosotros tuvo problemas con las letras de Ian. Nunca le pedimos que cambiara nada. A principios de los 70, podías escribir letras sobre una prostituta menor de edad y nadie pensaría que era impactante. Mire una serie de comedia como Fawlty Towers y la forma en que trataron temas como los alemanes. Eso fue visto como divertido en aquel entonces, sin acusaciones de racismo. Ahora, te hace estremecer un poco. Pero para usar un cliché, estos eran productos de su tiempo. Por supuesto, si intentaras escribir una canción ahora como «Cross-Eyed Mary», podrías tener verdaderos problemas. Pero tienes que poner todo esto en el contexto correcto».

Tull estaba preparado para hablar sobre temas relacionados con Aqualung que, si bien no eran tabú en esa época, ciertamente no se fomentaban. «Cross-Eyed Mary» fue un ejemplo, pero la canción principal hablaba de la falta de vivienda y «Locomotive Breath» puso el foco en el control de la población.

«Me resultó más fácil escribir sobre lo que observé y experimenté, en lugar del mundo de fantasía, donde otras bandas preferían residir» explica Anderson. «Me gusta pensar que este enfoque resonó en el oyente y le dio al álbum una relevancia adicional. Porque la gente sabía que entendía los temas de los que estaba hablando. Tenía conocimiento de primera mano para amortiguarme».

«Nunca afirmaría que fui el primero en hacer esto. Y personalmente me siento atraído por otros que siguen un camino similar. Obviamente, puedes poner los álbumes de Bruce Springsteen en la misma categoría que Aqualung, ya que también escribe sobre lo que sabe. Se trata de Nueva Jersey y los personajes que ha conocido. No es que alguna vez haya tenido la tentación de escribir sobre la costa de Nueva Jersey. No sé nada al respecto, entonces, ¿por qué querría inventar una canción sobre esa área? Sin embargo, compartimos este entusiasmo por el realismo».

Anderson pudo expandir el repertorio de Tull para el álbum al incorporar influencias adicionales, como describe: «era mi oportunidad de traer un estilo de cantautor. Eso fue porque pude hacer mucho de la escritura por mi cuenta. En los primeros días de gira teníamos que compartir habitaciones de hotel, lo que significaba, por supuesto, que no había privacidad. No podíamos alejarnos el uno del otro y, como resultado, nunca podía sentarme y escribir cuando quería. Pero para la gira justo antes de que escribiera las canciones para Aqualung, finalmente tuvimos la suerte de poder pagar habitaciones de hotel separadas. Esa era la libertad que necesitaba para sentarme y escribir cuando quisiera, sin interrupciones. Significaba que podía desarrollar ideas para estas canciones».

¿Es justo ver este álbum como prácticamente un álbum en solitario de Ian Anderson, dado que él parece ser quien escribió las canciones y definió la dirección? Anderson no está de acuerdo con este punto de vista.

«Era un álbum de banda. Pero alguien tenía que asegurarse de que no nos metiéramos en una rutina, porque ya habíamos tenido un poco de éxito. Y ese terminé siendo yo. Simplemente parecía tener más determinación que los demás. Pero si este realmente hubiera sido un disco en solitario, habría sonado diferente y, como resultado, podría haber fracasado».

«Todos jugamos un papel clave. El trabajo de guitarra de Martin fue excelente en todo momento, y los teclados de John Evan agregaron textura y color. Nunca me siento y trato de averiguar exactamente por qué Aqualung funciona tan bien como álbum. Hay muchos factores decisivos ahí. Pero nos puso en marcha y, por primera vez, me hizo darme cuenta de que Jethro Tull tenía futuro».

«Entiendo por qué la gente piensa que es mi disco en solitario. Y como tenía las manos libres, gran parte del álbum lo hice yo solo. Podía ir al estudio sin los demás y hacer partes de guitarra y voces como mejor me pareciera. Una vez que esto se lograba a mi satisfacción, el resto de la banda entraba y agregaba lo que necesitaban hacer, cambiando las cosas sobre la marcha cuando lo consideraban necesario. Así que, mientras trabajaba la mayor parte del tiempo por mi cuenta, nunca he afirmado, y nunca lo haría, que hice todo esto solo. Es de la misma manera que Roger Waters fue el hombre que guió a Pink Floyd en muchos de sus grandes álbumes, pero necesitaba que los demás dieran un paso al frente. El aporte del resto de la banda fue extraordinario para darle forma a este álbum. Fue un esfuerzo de equipo. Tal vez todos me aceptaron como líder de la banda, pero nunca fui un dictador».

Anderson recuerda la ocasión en que tocó por primera vez pasajes de la pista Aqualung para Barre. «Fue en mi habitación de hotel mientras estábamos de gira por Estados Unidos. Ahora no recuerdo dónde estábamos, pero tenía mi guitarra acústica conmigo y le toqué la idea del gran riff de esa canción a Martin. Sonaba muy tranquilo en esa habitación, y tomó un salto de imaginación para apreciar cómo podría sonar en el estudio cuando lo interpreta un maestro como Martin. Pero consiguió lo que yo estaba construyendo e hizo un buen trabajo al darle vida».

Hubo dos cambios significativos en la formación de la banda. John Evan fue contratado como teclista mientras que Jeffrey Hammond reemplazó a Glenn Cornick en el bajo. Barre recuerda a Evan con gran respeto.

«John había tocado en Benefit como músico de sesión, así que ya sabíamos lo que era capaz de crear. Su incorporación fue una gran ventaja para nosotros. John fue un tour de force como pianista y también como arreglista. Escuche su trabajo en «My God» y «Locomotive Breath»: es excepcional. La introducción que se le ocurrió para la última pista puede parecer simple. Sin embargo, no solo era apropiado, sino que más tarde a los teclistas nos costó recrear lo que hizo. Fue muy inteligente y muy difícil de igualar para otros».

Hammond, sin embargo, era otro asunto. ¡Barre recuerda que apenas podía tocar el bajo cuando lo contrataron! «Eso es cierto. Ian y yo nos sentamos durante días en la casa de Ian en Haverstock Hill, Londres, y literalmente le enseñamos a Jeffrey a tocar el bajo desde cero».

Ahora parece increíble que una banda de la talla de Tull tenga un miembro que no supiera tocar su instrumento. Pero el guitarrista es muy contundente en su defensa de la decisión. «Jethro Tull tenía que ver con el carácter y la personalidad. Estábamos a punto de ser diferentes de cualquier otra banda. De ninguna manera queríamos un virtuoso. Lo que buscábamos era alguien que pudiera adaptarse y alterar su estilo a medida que avanzábamos».

«Debido a que Jeffrey aprendió a tocar el bajo cuando llegó a Tull, eso significó que creó su propio sonido. Cuando escuchas «Hymn 43» o «Cross-Eyed Mary», Jeffrey estaba haciendo cosas que ningún otro bajista hubiera tocado. Tenía un estilo único y eso se adaptaba a donde queríamos ir. Esto nunca hubiera sido posible con un músico experimentado».

El mismo Barre se sorprendió cuando hizo el solo para «Aqualung» en Island Studios en Londres, como Anderson recuerda vívidamente con una sonrisa. «Como creo que mucha gente sabe, Led Zeppelin estuvo en Island Studios al mismo tiempo que nosotros, trabajando en su disco IV. Estaban en la habitación más pequeña y acogedora, situada en el sótano del edificio. Estábamos en la habitación más grande, que estaba en una iglesia reformada. Hacía mucho frío y había eco. Zeppelin habían reservado el estudio en bloque, pero cada vez que se tomaban un día libre, podíamos usarlo, lo que ayudaba con la calidad del sonido».

«¿Se conocieron las dos bandas? Bueno, solo en el hueco de la escalera. Personalmente, nunca hubiera soñado con bajar a donde estaban para ver qué estaba pasando. Sentí que eso podría ser visto como grosero por Zeppelin. Sin embargo, Jimmy Page vino a donde estábamos una vez, tocó educadamente a la puerta y pasó un rato con nosotros».

«Ahora, Martin estaba trabajando en su solo para «Aqualung» en el momento en que entró Jimmy. En realidad lo estaba grabando cuando miró hacia la sala de control y vio nada menos que a Jimmy Page allí, ¡escuchando lo que estaba haciendo! No puedo imaginar lo que pasaba por la mente de Martin cuando se dio cuenta de que Jimmy estaba con el resto de nosotros y observaba cada movimiento que hacía. ¡Hablando de estar bajo presión! Pero, afortunadamente, Martin estuvo a la altura de las circunstancias y, como sabemos, su solo fue maravilloso».

«Recuerdo muy bien el incidente», añade Barre. «Apenas vimos nada de Zeppelin cuando estábamos en Island Studios. El único miembro de esa banda que conocí fue John Paul Jones, y eso fue en una ocasión en la máquina de café. Entonces, cuando estaba haciendo ese solo para «Aqualung», vi a Jimmy Page saludándome como un loco desde la sala de control. Pero estaba tan metido en el momento de hacer mi solo, y no quería perder nada del impulso, que no me atreví a devolver el saludo. De hecho, estaba de espaldas a Jimmy mientras continuaba, y lo que escuchas fue la primera toma. Él probablemente pensó que era grosero, así que si lee esto quiero decir: ‘Jimmy, me disculpo, pero estoy seguro de que entenderás que clavar el solo tenía que ser mi prioridad’».

Si bien ahora se considera un álbum icónico, Anderson admite libremente que en ese momento la banda no sabía cómo sería recibido Aqualung. «Recuerdo estar sentado en un café abierto toda la noche con John Evan justo después de que termináramos la última sesión de grabación del álbum. Eran como las 6 a.m. y le dije a John: ‘Bueno, ¿qué piensas?’ Me miró y respondió: ‘No sé. ¿Qué piensas? Honestamente, no teníamos idea de si la gente estaría impresionada con lo que habíamos hecho o lo descartaría. Cuando se enviaron copias a la prensa musical, admito sentimientos de inquietud sobre cuál sería la recepción. Sin embargo, afortunadamente, a medida que llegaron las críticas, la mayoría de ellas fueron positivas y complementarias. Eso fue un gran alivio».

«Miro hacia atrás ahora y tengo que admitir que cuando empezamos a hacer este álbum, todos nosotros en la banda quizás estábamos demasiado cómodos con el lugar donde estábamos», admite Barre. «Ya habíamos tenido cierto éxito. Todos teníamos esposas o novias, lindas casas y autos. Y como resultado, habíamos perdido nuestra ventaja. Así que nos costó un poco ponernos en marcha para hacer el mejor álbum que pudimos. Por eso era importante que Ian tomara el control y nos diera la llamada de atención que tanto necesitábamos».

«Algunas de las canciones del disco fueron hechas virtualmente por Ian solo. «Cheap Day Return» es un ejemplo. Cuando tocó esto para el resto de nosotros, se terminó; había ido al estudio por su cuenta y lo había hecho magníficamente. Sin embargo, hubo otras canciones en las que todos nos involucramos, cortando y cambiando partes, reorganizando la música. Dios mío comenzó con una idea de guitarra acústica que tenía Ian. Nos la tocó y todos ayudamos a convertirla en la canción que todos conocen ahora».

«Recuerdo que nos costó mucho terminar todas las pistas de acompañamiento, simplemente porque estábamos satisfechos con nosotros mismos y no teníamos el impulso crucial. Una cosa que recuerdo es que desarrollamos «Locomotive Breath» en el estudio a partir de una pista de fondo que era literalmente una parte de bombo interpretada por Ian. ¡Eso fue todo!».

Barre tocó muchas de las partes de guitarra no a través de amplificadores masivos, sino que fue en la dirección opuesta, como ahora revela: «Estaba experimentando con pequeños amplificadores. Todo lo que hice en «Cross-Eyed Mary» lo hice con un amplificador muy pequeño que le compré a alguien en la calle. Acabo de ver a este hombre caminando por la calle con una guitarra y este pequeño amplificador. Le di una libra por el amplificador, y eso es lo que usé mucho en el estudio».

Sin embargo, hubo una seria desventaja en el uso de este equipo. Uno que estuvo a punto de provocar una tragedia, como recuerda Barre: «El cableado del amplificador era deficiente; en una ocasión recibí una descarga eléctrica importante. Fue cuando estaba cantando el Himno 43 y grité fuerte. Afortunadamente, uno de los ingenieros del estudio reaccionó muy rápido y se enfrentó a la situación».

Sin embargo, se avecinaba un malentendido en el horizonte, ya que algunas revistas optaron por considerar Aqualung como un álbum conceptual. Obviamente no lo es, y los lectores podrían haber pensado que Anderson estaría enojado por tener que abordar este problema una vez más. Pero curiosamente, es él quien saca a relucir este tema espinoso, aparentemente decidido a poner una vez más en contexto la idea errónea conceptual.

«He dicho esto un millón de veces y estaría feliz de repetirlo un millón de veces más, pero Aqualung no es un álbum conceptual. Sí, hay temas que unen algunas canciones. Por ejemplo, parte del material trata sobre la religión y mis puntos de vista sobre este tema. Pero estas son canciones dispares que no tienen una conexión general. Ese nunca fue el plan, y todo lo que puedo decir a aquellos que insisten en que esto es conceptual es que están equivocados».

«Quizás la razón por la que esto ha persistido es por las notas que aparecían en el álbum. Tal vez dieron la impresión de que había una historia a lo largo de la música. Siento que estas notas funcionaron muy bien, pero podrían haber dado una impresión falsa. Nunca puedes saber cómo alguien interpretará tus canciones. De hecho, me encanta mantener las cosas un poco abiertas, para que haya espacio para que las personas tomen lo que quieran de mi música. Personalmente, me encantan los programas de televisión y las películas en las que estás bastante seguro de lo que sucede a continuación. Si te cuentan todo, no deja nada a la imaginación y pierdo el interés».

Barre tiene su propia teoría sobre por qué algunas personas todavía ven a Aqualung como un álbum conceptual: «Por supuesto que no es conceptual. Pero estuvo prohibido durante un tiempo en España, porque algunas de las canciones tratan de religión y son muy críticas. Tal vez la gente leyó eso sobre esto y creyó que todo el álbum era sobre religión, y luego dio un paso más al asumir que, por lo tanto, debe ser un tema que atravesaba todas las canciones».

También se podría afirmar que parte de la razón de toda la mala dirección conceptual se debió a que la banda insistió en dar subtítulos a cada lado del vinilo. Entonces, la cara A se denominó Aqualung y la cara B se llamó My God.

«Cuando se trataba de ordenar las pistas de los LP, había que tener en cuenta muchos factores diferentes» dice Anderson. «Creo que hubo álbumes de Tull en los que me equivoqué. Pero en Aqualung, funciona muy bien. Decidí darles a los dos lados esos nombres ya que agregaba algo de enigma a la situación. ¿Esto condujo a la desinformación de que el álbum era conceptual? No puedo decir que esto se me haya ocurrido alguna vez. Es posible. Supongo que cuando se trata de Aqualung, esta siempre será una de las primeras preguntas que me hagan. Está tan incrustado en el folclore ahora que, por muchas veces que explique por qué no es un álbum conceptual, esto nunca satisfará a todos».

El éxito que ha tenido este álbum podría llevar a los lectores a suponer que fue un gran éxito de ventas desde su lanzamiento en marzo de 1971. Pero, como recuerda Anderson, eso no fue lo que sucedió. «No, no fue un gran éxito inmediato. Se vendió de manera constante, en lugar de espectacular. Pero eventualmente funcionó lo suficientemente bien como para elevarnos a ese nuevo nivel».

En los EE. UU., Aqualung fue el primer álbum de Tull en ubicarse en el Top 10, alcanzando el número 7 en las listas de Billboard. Hasta el día de hoy, este sigue siendo su mayor vendedor en los Estados Unidos; el único álbum que vendió más de un millón de copias. De hecho, ha sido certificado oficialmente como triple platino allí, superando los tres millones de ventas. Curiosamente, en el Reino Unido no funcionó tan bien como los dos álbumes anteriores. Mientras que Stand Up de 1969 encabezó la lista y Benefit un año después llegó al número 3, Aqualung se estancó en el número 4.

Hoy, la cifra de ventas globales del álbum es impresionante, por decir lo menos, como revela Anderson. «Recuerdo haber leído hace varios años cómo uno de los álbumes más grandes de Coldplay, no recuerdo cuál, había vendido 11 millones de copias en todo el mundo. Ese es un número increíble. Pero cuando revisé las cifras de Aqualung, mostró que se vendieron 12 millones de copias hasta ese momento. Naturalmente, hay que tener en cuenta que Coldplay lo hizo en 12 meses, mientras que a nosotros nos llevó unos 40 años alcanzar ese hito, pero esto demuestra lo grande que fue el álbum y cómo sigue vendiendo cantidades constantes cada año».

Barre descarta cualquier idea de que la banda estuviera bajo presión para crear un álbum que vendiera mucho. «Éramos forasteros. No éramos una banda de glam rock, ni éramos rockeros como Zeppelin o Deep Purple. En todo caso, éramos antihéroes que eran orgullosamente diferentes a los demás. De hecho, teníamos una actitud que describiría como punk unos años antes de que se pusiera de moda«.

«No teníamos ningún interés en ser estrellas de rock. No queríamos volar en aviones privados y tener groupies y traficantes de drogas esperándonos dondequiera que fuéramos. Ninguno de nosotros se molestó con todas esas tonterías. Lo que importaba era mejorar musicalmente con cada nuevo álbum. No había una fórmula para lo que hacíamos, y eso nos dio la libertad de hacer lo que creyéramos que podía funcionar».

«Entonces, debido a que teníamos este enfoque, nunca hubo ninguna presión sobre nosotros para presentar un sencillo exitoso o vender millones de copias. Nos dejaron solos en el estudio. Ahora, los fans dan por sentado que el título del álbum es Aqualung. Pero para Barre, no había una opción obvia.

«No había ninguna pista en el álbum que destacara como representación del álbum y, por lo tanto, la que deberíamos elegir como título general. Entonces, cuando Ian nos dijo que quería ir con Aqualung fue como si ninguno de nosotros tuviera una alternativa convincente».

Barre tampoco cree que haya una razón clara de por qué el álbum se convirtió en un éxito de ventas. «No hubo un momento eureka, cuando todos sabíamos que iba a ser un momento decisivo en la carrera de la banda. Es tan simple como ser el álbum correcto en el momento correcto, y también el hecho de que tuviera tantas canciones geniales. Tienes que tener un poco de suerte si vendes tantas copias de un álbum como hicimos con Aqualung. Pero todo se alineó a nuestro favor».

Anderson nunca subestima la importancia del cuarto lanzamiento de Tull para establecer su presencia como una fuerza importante. «Si miras lo que pasó con nuestros álbumes anteriores, This Was (1968) tuvo un éxito muy limitado, pero no nos dio ningún perfil internacional. Stand Up (1969) tuvo más éxito y nos permitió hacer nuestras primeras giras tanto en Europa como en América. Y Benefit hizo que todo funcionara muy bien. Podrías afirmar con razón que cuando llegamos a Aqualung, la banda estaba en un momento decisivo en nuestra joven carrera. Podríamos llegar a otro nivel o resignarnos a un declive constante a partir de ese momento».

Afortunadamente para todos nosotros, lo primero es lo que sucedió. Y este es el álbum que, para muchos, define el sonido de Jethro Tull. Si bien Anderson no acepta esto por completo, sin embargo, reconoce que comprende por qué los fanáticos lo ven de esta manera:
«Para mí, lo que hicimos fue una síntesis de todo lo que había pasado antes. No perdimos lo que habíamos hecho anteriormente. Así que todavía puedes escuchar elementos de blues en algunas de las canciones, pero también teníamos otras cosas cocinándose de fondo. Había riffs pesados, psicodelia y folk. Estábamos ampliando nuestros horizontes, pero desde lo que ya era una base firme. Eso es lo que hicisteis como banda. Nunca quieres quedarte quieto y repetirte. Sin embargo, también eres consciente de que lo que habías hecho funcionaba bien».

«¿Fue este el plan para todo lo que vino después? Yo no sería tan simplista como eso. Sin embargo, tomamos aspectos de lo que hicimos aquí en álbumes posteriores. Desde una postura lírica, hubo un reconocimiento de que podía crear personajes capaces de mantener el interés. Estos fueron tomados de observar personas reales en lugares reales, y hacer que el oyente quisiera saber qué les sucedió. Te pone en un entorno y contexto».

«Desarrollé la idea de llevar mi cámara conmigo y hacer fotos de cualquier persona que me encontrara que se destacara por ser diferente. Estos podrían inspirar una idea de canción, como sucedió con «Aqualung». Pero siempre he tenido mucho cuidado de no infringir la privacidad de nadie. Por ejemplo, hace poco estuve en Hyde Park cuando vi a una dama sin hogar emerger de la niebla. Estaba vestida de una manera, digamos, cuidadosa. Iba a tomarle una foto, luego pensé para mis adentros que esto sería pasarse de la raya, así que evité la tentación y me alejé».

«Lo que ha significado este enfoque es que puedo sumergirme en el carácter de aquellos sobre los que estoy cantando en las letras. Me convierto en actor, como lo hicieron David Bowie, Alice Cooper y Alex Harvey. No es Ian Anderson a quien estás escuchando, sino el papel que he adoptado. Y realmente comenzó con este álbum. Supongo que es justo decir que encontré mi nicho aquí».

Barre todavía se emociona cuando habla de lo que significa Aqualung para él. «No fue solo un paso adelante para Jethro Tull, sino también un paso adelante para mí. Aquí es cuando pudimos empezar a tocar en lugares muy grandes y pensar en dar un espectáculo a los fans. Nos lo tomamos todo con calma, y solo ahora puedo mirar hacia atrás con objetividad. Pero tengo que admitir que me emociono cuando escucho el álbum en estos días. Me emociona, porque esos fueron tiempos increíbles para nosotros. Ciertamente resiste la prueba del tiempo».

«Ian estaba en su mejor momento. Y gracias a Dios que tuvo la tenacidad y la visión para empujarnos tan lejos como pudiéramos llegar. ¿Fue un álbum lleno de comentarios sociales serios? Supongo que Ian tenía algunos problemas que quería abordar y lo hizo de manera inteligente. No puedo decir que este sea el mejor álbum que hayamos hecho, pero ciertamente es el más consistente, y puedo ver por qué para muchos fanáticos, Aqualung es el álbum de Tull».

«El mundo es muy diferente ahora de como era en 1971», concluye Anderson. «Eso es obvio. Lo que hace Aqualung es permitir que todos echen un vistazo a una época pasada. Sin embargo, gran parte de lo que hablé en estas canciones hace 50 años sigue siendo tan relevante ahora como lo fue entonces. Si no más relevante. Quizás esa sea otra razón por la cual el álbum no es otra pieza de nostalgia caprichosa, sino que conecta fuertemente con audiencias de todas las edades. No muchos álbumes de principios de los 70 pueden afirmar esto, por muy buenos que sean». Esperamos tu opinión sobre lo comentado por Anderson y Barre sobre un disco tan importante para la historia del rock.

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